En el prestigioso Museo del Prado, una reciente exposición ofrece una fascinante exploración de la escultura policromada del siglo XVII, destacando la notable unión de volumen y color que definió esta época. A través de una selecta colección de obras maestras, se desvela cómo el arte sacro se convirtió en una poderosa herramienta de persuasión religiosa. Antonio Palomino, influyente teórico del arte del momento, ensalzó la creación del «Cristo del Perdón», una colaboración entre Manuel Pereira y Francisco Camilo, como un extraordinario ejemplo de la interacción sublime entre pintura y escultura.
Desde tiempos remotos, la escultura ha mantenido un papel fundamental en el mundo del arte. Su capacidad para representar corporalmente a deidades va más allá de lo decorativo, actuando como símbolo de protección y sanación espiritual. El benedictino Gregorio de Argaiz, también del siglo XVII, resaltaba la capacidad de la pintura para animar la escultura, insuflando vida en objetos que, de otro modo, serían puramente materiales, convirtiéndolos en verdaderas expresiones del alma humana.
La muestra en el Prado invita a una profunda reflexión sobre el impacto sobrenatural de la escultura sagrada, utilizada para transmitir sensaciones de divinidad y misticismo. Los escultores de la época, casi como mediadores de un acto divino, generaban imágenes que trascendían lo terrenal. El color, en este contexto, emergía como un elemento esencial, aportando dramatismo y vitalidad a las obras.
En los espacios religiosos del siglo XVII, las esculturas policromadas no se limitaban a ser ornamentos; se transformaban en instrumentos cruciales para el sermón y la enseñanza moral. La expresión teatral de sus gestos y la riqueza de sus vestiduras, fuesen estas esculpidas o reales, añadían un componente escenográfico pleno de significados. Estas representaciones visuales jugaban un rol decisivo en la conexión emocional y espiritual con los fieles.
Además de sus valores estéticos y religiosos, la exposición ilumina la influencia recíproca entre diferentes disciplinas artísticas centradas en torno a la escultura policromada. Desde las estampas que propagaban devociones populares hasta las pinturas que, con un asombroso ilusionismo, reflejaban las esculturas en los altares, este fenómeno artístico mostró una continua conversación entre formas, enriqueciendo el panorama cultural del periodo.
La exhibición reta a los asistentes a reconsiderar el papel de la escultura policromada como un arte total, en el que cada elemento —ya sea volumen, color o contexto— contribuye a una experiencia estética y espiritual integral. Es un recordatorio del poder transformador del arte, en todas sus manifestaciones, como vehículo de expresión y comunicación de las emociones humanas más profundas.
